後処理（または一般）で彩度、鮮明度、鮮やかさなどを設定するためのガイドや経験則はありますか？

これは、「LRでこのようにリンクが挿入されたように画像を表示する方法」の別の質問ではありません。ここにこれらの質問の飽和があります（しゃれは意図されていません）。興味深いですが、一般的ではありません。

私が本当に求めているのは、肌の色合いを改善したり、画像の色や照明を改善したりするために、後処理をどのように行うかです。

私は通常それを手羽先にして、物事が適切に見えるまで、Lightroomのレバー（通常は露出とコントラストとホワイトバランス、そして時には彩度）に触れます。私は個人的に、悪質に後処理したものではなく、リアリズムを目指しています（そうしないと、撮影しているときに怠惰になります）。また、私はRAWを撮影するので、カメラの「ピクチャースタイル」は適用されません。

しかし、一貫性は感じられません。これとは対照的に（これも駄洒落ではありません）、フレーミングショット、ライティングテクニックなどの大まかなルールを検討している場合は、どこでも、特にStackExchangeでこれらのガイドを見つけることができます。あなたはそれらのことを学んでいるので、一貫性をより速く得ることができます。しかし、後処理技術は私にはよりランダムに見えます。

ここでプロが何を考え、何をしているのかを聞くことにとても興味があります。それは完全に主観的であり、ブラックアートではありません（これを調整して何が起こるかを見てみましょう）...またはそれは...ですか？

ほとんどの決定は芸術的なものであり、自分の個人的なスタイルやビジョン、そしてある程度は写真のジャンルに依存します。

始める前に、あなたはあなたのイメージがどのように見えるようにしたいのかについていくつかのアイデアを持っている必要があります。ハイキーまたはローキー？シャープでコントラストのある、または軽くて空気のような？画像はそれぞれ異なるため、すべての画像に一定の規則は適用されません。しかし、私はいくつかの一般的なガイドラインを提供しようとします。

LightroomまたはCamera Rawを使用して、スライダーを上から下に動かします。

ホワイトバランス

ほとんどの場合、これは芸術的な決定だと思います。はい、ホワイトバランスドロッパーツールを使用して「正しい」ホワイトバランスを推定できますが、多くの場合、素敵な画像から暖かさが失われます。ホワイトバランスツールを使用して画像にどのように影響するかを確認し、正直にして温暖化をやりすぎないようにしますが、ほとんどの場合、過熱するまで暖かさを増やしてからオフにします。ビット。

コントラスト

Raw Conversionステージではコントラストに触れません。私はPhotoshopを使用しており、必要に応じてマスク/ブラシをかけることができるカーブ調整レイヤーを適用することを好みます。Lightroomのみを使用して処理する場合は、おそらくコントラストスライダーをスキップして、他の露出関連の調整を行った後で、スライダーに戻ります。

露出、ハイライト、シャドウ、ブラック、ホワイト

ほとんどの画像では、黒から白までの全範囲の色調が必要です。つまり、ほとんどの画像で、ヒストグラムを左から右に伸ばしたいと思っています。私がそのようなイメージを達成しようとしていると仮定すると、私の考えは次のようなものになります：

全体的な露出はおおよそ正しいですか？

画像が暗すぎる場合は、露出を増やします。明るすぎると減ります。明らかに、見栄えの良いヒストグラムではなく、見栄えの良い画像を実現するためです。たとえば、ハイキー画像は右に向いているかもしれません。カメラ内の露出を釘付けにしようとしますが、できなかったり、意図的に右に露出したりすることがあります。また、いずれかの端で何かがクリップされる場合、全体的な露出を調整する場合があります。通常、[露出]スライダーをタッチする必要はありません。

次に、ヒストグラムのエンドポイントはどうですか？

露出を調整した後も黒または白のいずれかがまだクリップされている場合、またはより一般的にはヒストグラムの端まで伸びていない場合（つまり、純粋な黒または白がないことを意味します）、次に黒/白スライダーを使用して完全な色調範囲になるまでヒストグラムを拡張します。明らかにこれはいくぶん芸術的な決定ですが、完全な色調範囲が必要な画像の場合、これがそれを達成するための最良の方法だと思います。

ハイライトとシャドウはどのように見えますか？

[ハイライト]と[シャドウ]のスライダーを慎重に使用して、明るい領域と暗い領域を微調整します。ほとんどの画像では、これは必要ありません。たとえば、バックライト付きの画像で[シャドウ]スライダーを増やして被写体を明るくし、白い雲が大きく広がり、コントラストを少し強調したい場合は、[ハイライト]スライダーを減らします。

明快さ

明快さを増すと、コントラストとディテールが向上した印象になります。透明度を下げると、特に水や雲に夢のような素敵な外観を与えることができます。これは純粋に芸術的な選択だと思います。私は通常、RAWコンバーターで鮮明度の調整を行わず、Photoshopでこれを残します。Photoshopでは、シャープ化、ローカルカーブ調整、またはTopaz Detail / Adjustなどのエフェクトフィルターを使用して、ローカルで同様の効果を実現できます。

彩度/鮮やかさ

Camera Rawで彩度やバイブランスを使用することはほとんどありません。画像の色がフラットに見える場合、私は鮮やかさを高めますが、通常は、Photoshopで選択領域または選択色にそれを行います。別の芸術的な選択-正しいと感じることをする。チャンネルをクリップしないように注意してください。バイブランスは少し安全な選択です。

いいえ、本当にそのようなルールはありません。これは、自然の能力または実践（またはその両方）を通じて、これらのことに目を向ける場所です。それは主観的ですが恣意的ではありません、そしてそれは芸術ですが黒人の芸術ではありません。

結局、あなたは自分に合っていると感じるもののための個人的なスタイルを開発するでしょう。多くの写真家は非常に独特の個人的な外観を開発します。あなたは「長所」について言及しますが、それについて少し考えてみる価値があります。なぜなら、そこには、クライアントの好みが最も重要だからです。小さな町のポートレートを撮影している場合は、少し余分な「ポップ」のある簡単な外観がおそらく目的の場所です。数年前、祖父母はポートレートを撮影してもらいました。写真家はソフトフォーカスの外観は芸術的な選択であると主張しましたが、祖父母は動揺していました。しかし、あなたが結婚式の写真家であれば、「夢のような」一見はおそらく間違いではありません。または、代わりにマスマーケットの「アート」販売を目的としている場合は、私がラスベガスのギャラリーで見たものから判断すると、あなたの目が血を流すまで彩度を上げ、ハローがシーン全体を絞めるまでトーンマップしたいと思うでしょう。ギャラリーの表現を探している場合、ファインアートの現在の傾向を知ることができます（うまくいけば、あなた自身の作品がその範囲を押し広げているとしても）。しかし、より持続的な種類のアートを求めている場合、または自分の個人的な満足のために働いている場合は、自分の聴衆でなければなりません。

カメラがあなたのためにそれを自動的に行うことができないので、私は「ルール」が合成のために一般的であると思います。カメラは許容できる露出のバランスをとることができますが、被写体の中心に配置する場所を選択することはできません。これらの合成ルールは通常、疑わしいものですが、基本的なフレームワークと、自分が何を望んでいるかわからないときに快適な出発点を提供します。

ただし、ビジュアルスタイルでどのような外観にするのかわからない場合は、カメラの「画像スタイル」またはRAWコンバーターのパッケージ済み設定のいずれかでプリセットを選択できます。白黒フィルム写真の初期の頃はそうではありませんでした。その時代から収集された多くの知恵（そしていつものように、より疑わしい規範的な主張）を見つけることができます。柔軟性の低いカラーフィルムが使用されるようになると、そのアプローチは深刻な傷を負い、デジタルは柔軟性を取り戻しますが、簡単にパッケージ化された事前に作成された「外観」をもたらすため、患者が完全に回復することはほとんどありません。

そうは言っても、私はそのスタイルに向けて取り組むときに1つのガイドラインを考えることができます。これは多くの場合、次のように表現されます。好きな特殊効果が得られたら、その強さの半分に戻し、それに合わせます。しかし、それらの作曲のルールと同様に、これは保守的なラインであり、保守的なものは芸術において祝福された価値であることはめったにありません。したがって、反対のことを試してみてください。確かに、数年後には恥ずかしさを感じて作品を振り返ることがありますが、少なくとも臆病であると非難されることはありません。

熟考するのに役立ちます。ここで、無限の柔軟性はあなたの敵です。それはあなたがあなたがやりたいことを何でもすることを可能にし、それはあなた自身の個人的な溝に落ち着くのを難しくすることができます。そこで、試してみる方法の1つを紹介します。デジタルカメラを置き、古いフィルムボディを取り上げます。Pentax K1000、Nikon F、たぶんCanonet距離計。Kodak Portra 400、Fujicolor 160NS、Ilford Delta 1600のいくつかのロールをピックアップします。または、少なくともRAWコンバーターを置いて、いくつかの画像スタイルを選択します—多くのR＆Dがそれらに組み込まれているので、実際にはかなり良いです。カメラで可能であれば（できれば可能ですが）、個人の好みに合わせて微調整（コントラストを上げるなど）しますが、調整が終わったら、しばらくそのままにしておきます。あなたのカメラがそうしているなら、ええと、ええと、「アートフィルター」を引き出したいかもしれません。事実上、プログラムで作成した、お探しの経験則

意図的に3分の1の規則で1週間撮影しても、自動的に優れた写真家になるわけではありませんが、それでも良い練習になります。それは、規則を適用するだけでなく、全体的な効果を評価して結果を慎重に検討するからです。 ）、代わりに何をしたいか、そしてその理由がよくわかります。同様に、さまざまなタイプのフィルムを数ロール撮影するか、プリセットのセットを選択してしばらくそのままにします。（これがあまりにも面倒な場合は、RAW + JPEGを常に使用できるので、生涯に一度のショットでグリーンキャストを適用するべきではなかったはずの「アウト」になります。）その練習を終えたら、おそらくその方法で永遠に作業を続けたくはないでしょうが、それがどのように行うかを理解するのに役立つと思います あなたの画像を見てほしい。

カラーグレードの方法よりも重要なことは、シリーズ内のカラーグレーディングに一貫性があることです。一般に、一連の写真が適切に流れるようにする必要がありますが、写真を大きく異なるものにしたい場合もあります。

他の人が述べたように、ここには一般的な美学以外のルールはありません。あなたはそれに目があるか、そうでないかのどちらかです。それに応じて芸術的な感覚と色を使用してください。スキルを伸ばそうとしている場合は、時間をかけて好きな作品を見て、それらのバランスがどのようになっているかを見てから、それを再現してみてください。

しばらくすると、画像のどの部分が必要なところから外れているかがわかるようになり、希望どおりの外観になるように調整するだけで簡単に調整できます。

また、自分の道を進んで行くことを恐れないでください。人々がカラーグレードを付ける方法は、おそらく写真のその他の側面についてだけではなく、写真家が誰であるかを伝えるためのものです。人々は間違いなく好みの外観を開発し、カラーグレーディングが得意であれば、写真の多くは同様の一般的な外観になります。被写体が異なるため、ショットごとに少し異なる必要があります。そのため、審美性には若干のスタイルの違いが必要になる場合がありますが、通常は認識できるものがあります。

私は個人的にこれまで少しコントラストを上げすぎて、豊かな黒い点、細かいが適​​度に強いシャドウ、ピーキングの直前のハイライト、全体的に十分に飽和した（ただし飽和しすぎていない）濃い色の画像を探しています。ときどき、ハイライトをやり過ぎるように少し詳細を入れますが、大部分は避けたいと思います。

一部の人々は、暗い、明るい、超現実的なレベルのコントラストを好む人もいます。極端な芸術的側面では、元のシーンでは認識できないほどに色を歪ませる人さえいます。好きなものを決めるのは、アーティストであるあなた次第です。

実際にはガイドラインはありません。ポジショニング、クロッピング、コンポジションについて学ぶ必要があります。芸術運動には、調色やアプローチについてそれほど厳格ではないガイドラインがあります。写真の場合は、練習したいスタイルの飛行士や先駆者を調べて検索できます。最初から今日まで。リチャードアヴェドンからパトリックデマルシェリエまで、ファッション写真の例として。そして、プロの写真家からのアドバイスとして-私自身：D-オフコントラストのポスト製品に近づかない場合は、常に写真に白黒を入れてください。