70年代に美術の学生や専門家が話し合ったデザインやアートのコンセプトは何ですか？

私は不思議に思っています。あなたが[条件付きで、実際にそこにいた人々を求めているわけではない]場合、芸術（または印刷、または広告、そのタイトルが当時何だったかはわかりません）の学生または専門家70年代、あなたはクラスメート/同僚と何について話しましたか？

授業で何を勉強するつもりなのかというわけではありませんが、革命的な（そしておそらく少し破壊的な）科目をその時はどう思いますか？人々が話していたトレンド、新しいアイデアは何でしたか？

アメリカやヨーロッパの学生かもしれません。ラテンアメリカの大学について考えていますが、具体的すぎるかもしれません。そして、彼らは同じことについて話していたに違いない。

たとえば、社会科学の学生がリーバイ・シュトラウスについてよく話し合っていることを知っています。これは「危険」と見なされていたため、一部のラテンアメリカ諸国では禁止されていました。多分美術の学生が...ポストモダニズムについて話していたと思いますか？フェミニズム？よくわからないので、よろしくお願いします。

私は専門家ではありません。70年代は学生ではありませんでしたが、政治的な混乱、社会的、文化的な流れ、出来事のいくつかを覚えています。

デザインは、政治と社会における一般的な出来事と連携して、またはそれに対する反応として、知らされ、発展します。

はい、70年代には間違いなくかなり60年代のヒッピー美学がありました。その時までに、より受け入れられ、より主流になった。サイケデリックな要素はそれほど「危険」でなく、破壊的ではありません。有機的な花のマルチカラーの美学を備えた市民の不従順と非暴力的な抗議の「平和と愛」は「行かなければなりません」：政治的な振り子の揺れは避けられません。

60年代。ヒッピーディッピー：

60年代に印刷技術の実験がありましたが、オフセット印刷機で同じ色に数色を注ぐことの​​狂気に気づくでしょう。最終的には全体が茶色がかった色になりますが、色が混ざる前にかなりの量を印刷することができ、わずかに異なるすべてのポスターが得られます。つまり、ラスターはありません。私は例を見つけることができませんが、これにいくつかの色を入れたと想像してください：

1967年に作られましたが、ミルトングレイザーズのボブディランのアルバムデザインは、タイトなビジュアル言語を示しています。私のポイントは、「ヒッピーのような」髪は野生のヒッピー色ではないということです。ミュートされています。フォントとシルエットはミニマリストのコントラストを物語っています。

あなたが企業デザインと呼ぶかもしれないものとある種のボトムアップビジュアル言語に根ざした底流の間には大きな違いがあります。「1970デザイン」を検索すると、高額な視覚効果、企業向けのデザイン、新しい素晴らしいテクノロジーなど、多くのものが見られます。まだたくさんの色がありますが、有機的な花のようなものはあまりありません。よりシンプルなグラフィック要素に向かっています。ビジネスデザインをLPカバー、コンサートポスター、「草の根」の文化的イベントなどと比較すると、大きなギャップがあります。

70年代。これを買いますか？

そしてもちろん、芸術を「恥知らずに」商品化したアンディ・ウォーホルの物議を醸す芸術があります。私は彼をフラットなデザインのマスターと呼ぶことができると思います：D。

ここでは、Liza Minelli：

1968年の社会不安と紛争は、軍事、資本主義、官僚のエリートと見なされていたものに対する激しい反応でした。多くの政府は、政治的抑圧と身体的暴力の拡大をもって対応した。平和的な抗議はどこにも行きませんでした。通りの男、反体制。冷戦、本当の戦争、革命、大英帝国の崩壊、毛は死んだ。世界は大きく、寒く、危険で混乱していました。ロボット、サイエンスフィクション、宇宙探査、スターウォーズ、ディストピア、遺伝子操作; 世界はエイリアンになりつつありました。世界がそれより良くなるという希望は、行き詰まっていた。

パンクに入る

誰でも何でも作成できます。だれでも音楽を作成できます。このテクノロジーにより、より多くの人々がアート、音楽、デザインに手​​を出せるようになりました。この典型的な例は、もちろんセックスピストルズです。それは乱雑でした、それは自分でやった、それは（言葉のあらゆる意味で）大声でした。彼らは崇拝の象徴を取り、それらを解剖した：女王、旗、宗教、政治家。グリッドは本当に窓の外でした、ルールと一貫性は弱虫のためでした。あなたが耳が聞こえないなら、それは歌手としてプラスになります。クラッシュは「本物」のパンクではなく「メロディック」すぎると批判された。上層階級。

そして、マリリン・モンローのアンディ・ウォーホルズの肖像画の劇：

70年代のフェミニズム運動はパンクから要素を取りました。それは抗議の視覚的言語でした。それは、女性の身体、性的自由の権利、平等な給与、そして世界中の女性との連帯に焦点が当てられていました。

ベトナム戦争中のベトナム人女性との連帯：

1970年代の学生だったので、パンクと「良い味」の間にはかなり大きなギャップがあり、塹壕戦があったと思います。ポストモダニスト（私は軽蔑する）と分析的な脱構築は、「ストリート」の美学と衝突しました。他の要素は「機械」の美学であり、デビッドボウイとピンクフロイドのグラフィックアートと音楽がその例です。機械シュルレアリスム（ヒッピーオーガニックシュルレアリスムとは対照的）、ヒューマンマシン、そして私たちが何であるか、そして私たちが創造するもの（つまりテクノロジー）に対する私たちのアイデンティティの再発明と言えますか。

パンク運動はもちろん商業主義に反対していたことは注目に値します。パンクの一部であるものが古くなり、私たちがそれらを売ることができるようになると、「彼らの」言語はより穏やかなバージョンではありますが、より主流の商業主義に取り​​上げられます。これは多くの場合に当てはまります。

私が実際にあなたの質問に答えたかどうかはわかりませんが、それは歴史的な文脈にそれを入れる試みでした。

（次は80年代とクレイジーな経済ブームになるでしょう。でも今は十分です。）

もちろん、議論された問題は非常に主観的であり、70年代にさかのぼるように政治的背景が非常に異なる国々とはかなり異なります。

10代のころ、ドイツでクールだと思っていたグラフィックデザインの概念についての思い出をお話ししましょう。私は、これが必然的にかなり内密で狭く、個人的な見解であることを認識しています。

ほとんどのデザインは、60年代のフラワーパワーヒッピームーブメントの影響を受けたものです。しかし、彼らのコンセプトはより統合され、商品化されました。薬物とその精神状態への影響の結果、「サイケデリア」が映画、コマーシャル、音楽などのほぼすべての場所に転送されました。

7-upサイケデリックステッカー

これは、幻想的なシュールな世界をテーマにしたビニールレコードカバーのグラフィックアートワークにも反映されています。

ロジャー・ディーンによるイエスソングのカバー

シュルレアリスムからの影響は大きく、主にサルバドールダリまたはイヴタンギーの作品でした。

全体的に丸みを帯びた有機的な構造と花の装飾が、少なくとも若くてヒップであると主張するこれらの領域では、ミニマルなバウハウススタイルに取って代わりました。Banana Splitのようなフォントはどこにでも見つかるでしょう。

文房具は、多くの場合、筆記用紙や封筒を含めて、かなり装飾されていました。

Lugi Colaniなどの70年代の主要なデザイナーは、これらの有機性をほとんどすべてに適応させました。

Colaniによるトラックのデザイン

バウハウスのミニマリズム、明確な幾何学的な非有機的なラインは70年代にまだ存在していました。彼らは今日まで生き残ったが、それまでは「正方形」と見なされていた。